Por dentro del ARIRANG Tour de BTS: canciones, visuales, detrás de escena, crisis y lágrimas

Han, Heung, Sarang. Nostalgia, Alegría, Amor. Tres actos de un show de BTS: una historia de amor por la música y por ARMY.

Aquí está todo sobre la gira ARIRANG de BTS, acto por acto.

Primero llega el sonido.

Antes de que se abran las puertas, antes de que se encienda una sola luz en el escenario, está el murmullo de decenas de miles de personas llenando las calles alrededor de un estadio. Gente que peleó por un boleto. Gente que hizo filas interminables. Gente que esperó años. Nosotros, los hooligans.

Entonces se abren las puertas y se hace la luz. Y los visuales, el movimiento y la fuerza.

Ahí entendemos que toda la campaña previa al lanzamiento del álbum ARIRANG, preguntando «¿cuál es tu canción de amor?», tiene una respuesta en forma de show. Todo se trata de amor, y siempre fue así desde el principio: amor por la música, amor entre esos siete amigos, el amor que une al fandom más grande del mundo con el grupo más grande de todos.

Este artículo no es solo un resumen de lo que pasa en el escenario. Eso ya lo viste, en las transmisiones oficiales o en los fancams por todas las redes. Lo que queremos aquí es el otro lado: las decisiones de producción, las referencias escondidas, los porqués de cada elección. Lo que no alcanzamos a notar en el momento, pero sentimos igual.

Porque BTS no solo hace un show. Cuenta una historia.

La gira ARIRANG de BTS: un mapa en tres actos

El show del ARIRANG Tour está dividido en tres bloques, cada uno con un nombre y, más que eso, con un significado. El director de la gira le explicó a Weverse Magazine que la estructura se construyó alrededor de tres subtemas coreanos. Guarda estas tres palabras:

한 (HAN) es una palabra sin traducción exacta: HAN es una tristeza acumulada, un dolor histórico, un peso que se carga de generación en generación, pero también significa resiliencia y esperanza. Muy coreano. Muy BTS.

흥 (HEUNG) es casi un opuesto complementario: si HAN es la sombra del alma coreana, Heung (흥) es su luz del sol. Es el concepto cultural de alegría genuina, entusiasmo desbordante, pasión y espontaneidad colectiva: esa energía contagiosa que da ganas de bailar, cantar y celebrar la vida, incluso cuando las cosas están difíciles. Han y Heung parecen opuestos, pero en realidad trabajan juntos en la cultura coreana: Heung es la forma en que los coreanos históricamente canalizaron, aliviaron y superaron el Han.

사랑 (SARANG) es amor. Así de simple.

Todo esto está directamente ligado a ARIRANG, tanto a la canción folclórica coreana como al álbum de BTS. «Arirang», la canción, es triste mientras te anima a seguir adelante. ARIRANG, el álbum, te hace bailar sin dejar de pensar y sentir.

Todo el show es ese recorrido. Del dolor a la celebración, y de la celebración al amor.

Vamos juntos.

ACTO 1 · 한 (HAN)

Antes de la primera nota: la llegada como ritual

En lugar del formato clásico de poner videoclips mientras el público se acomoda, BTS eligió un VCR en loop con tres capas:

Seoye, pintura caligráfica tradicional coreana, con un aspecto que recuerda a la tinta sobre papel. Hanji, el papel artesanal coreano, como fondo. Y gugak, música instrumental tradicional. Enmarcándolo todo, el sonido del gayageum, la cítara coreana de doce cuerdas, llena el estadio.

Esa elección le da un tono grandioso a la llegada. En lugar de los videos de siempre, hay contemplación y preparación. Es denso, lento, cargado de cultura y radicalmente distinto de lo que se espera en un show de K-pop.

De hecho, a partir de aquí vamos a ver que todo en la gira ARIRANG rompe las convenciones del K-pop, convenciones creadas por el propio BTS y copiadas hasta el cansancio.

BTS 2.0 rompe con todas las tradiciones, paradójicamente, llevando la tradición coreana al escenario.

El escenario 360 grados: la decisión más radical de la gira

Mientras suena el gugak, hay tiempo para mirar alrededor y notar lo más obvio, y lo más revolucionario: no hay frente ni fondo.

El escenario está en el centro del estadio. Todos son el público principal. Esa lógica cruel de «buenos lugares» y «malos lugares», que define la experiencia de cualquier show en estadio, simplemente desaparece.

Desde el punto de vista de la producción, es una pesadilla. La coreografía tiene que funcionar en todas las direcciones. La iluminación no tiene dónde esconderse. No se le puede dar la espalda al público. Cada movimiento tiene que pensarse 360 (millones de) veces.

j-hope, uno de los responsables de la idea del escenario 360, describió así el proceso en Weverse:

«BTS ha hecho muchos conciertos a lo largo de los años, así que nos esforzamos por encontrar una solución que estuviera al menos un poco más cerca de la respuesta perfecta que de la absoluta. Como era un estadio, teníamos que considerar el impacto del clima, y hubo muchas idas y vueltas porque teníamos que prestar atención a todo el escenario, incluidos los cambios de dirección durante la presentación. Al principio todo daba miedo y adaptarse no fue fácil. Pero yo solo seguía pensando en el estadio lleno de BTS y ARMY.»

La estructura tiene pasarelas que van del centro a las cuatro esquinas, lo que permite que los siete recorran todo el estadio. Partes del escenario se elevan en momentos específicos, y todo el diseño se pensó para garantizar una vista sin obstáculos desde cualquier sector. El propio escenario es parte de la gran narrativa que es la gira de BTS.

BTS no inventó el escenario 360, pero hizo algo diferente con él

El formato 360 ya lo usaron algunos artistas occidentales, como U2, pero en el K-pop solo BTS y TWICE se atrevieron a probarlo, y el escenario de BTS es mucho más desafiante, por su tamaño gigantesco, más de 600 toneladas y un equipo de 300 personas.

Además, para BTS un escenario es más que una plataforma. El escenario es Corea del Sur.

Esta es una de las partes más bonitas de la producción, y una de las menos notadas, sobre todo si no eres coreano y no tienes las referencias culturales.

El escenario central se inspiró en Gyeonghoeru, el pabellón de banquetes reales del Palacio Gyeongbokgung, en Seúl, el lugar donde los reyes de la dinastía Joseon recibían invitados y daban festines. La idea, según la producción, era reimaginar un banquete comunitario en un escenario moderno: los siete cantando y bailando ahí arriba con el mismo espíritu festivo.

La parte superior de la estructura se diseñó para recordar el techo de un nu, un pabellón tradicional coreano del tipo jeongja. Y por si fuera poco, vista desde arriba evoca el contorno del logo de BTS.

El anillo central está inspirado en el taegeuk, el símbolo rojo y azul en el centro de la bandera de Corea del Sur. Y las varas que se extienden en todas las direcciones se inspiraron en el geon-gon-gam-ri, los cuatro trigramas negros en las esquinas de la bandera.

No es decoración. Es una declaración de origen, y de principios. Ahora que explicamos cómo funciona el escenario, vamos a la historia que se cuenta en él.

Hooligan: los «alborotadores» empiezan a contar la historia

Un hooligan solitario, con una bengala en la mano, invade el campo. Empieza la intro. Los gráficos de hanji en la pantalla LED son consumidos por las llamas. Más hooligans se unen, toman el escenario y un humo espeso se esparce, tiñendo las gradas de rojo.

Cuando los siete atraviesan el caos y toman sus lugares en el centro, empieza la primera canción del show.

El grupo en el escenario es un BTS más maduro, que rompe sin miedo los estándares que él mismo creó. Es BTS 2.0. El objetivo era crear una entrada con una vitalidad cruda y una intensidad nunca antes vistas, con la ambición de dar vuelta el juego una vez más; al fin y al cabo, es el comeback más esperado en décadas, no solo en el K-pop sino en toda la industria musical.

j-hope lo destacó en el artículo de Weverse:

«Todos tenemos ciertas maneras de hacer las cosas, ciertos patrones en los que caemos con los años, pero me esforcé mucho por alejarme de gran parte de eso. Como soy yo quien arranca todo con la intro de ‘Hooligan’, sentí que era esencial que pegara fuerte. Por eso he intentado darle un poco más de energía al lado de la presentación.»

Y, con su autocrítica de siempre:

«No sé si realmente está funcionando, pero por suerte parece que ya superé el peso de eso (risas). Ahora intento sentirme un poco más seguro, empezando las cosas más a mi ritmo.»

La ruptura está escenificada. Pasas del gugak tradicional al caos en cuestión de segundos.

Aliens: alienígenas en el escenario

Todo el estadio se vuelve verde y partes del escenario se elevan. Es uno de los efectos escenográficos a gran escala de la gira, y complementa la metáfora de la canción: BTS como un cuerpo extraño y único dentro de la industria global.

Un verso de la canción es un juego lingüístico que solo funciona en coreano: va de 가 a 힣. 가 es la primera sílaba posible del alfabeto coreano y 힣 es la última, el equivalente a decir «de la A a la Z».

Todos estamos invitados a la casa de BTS, pero hay que quitarse los zapatos.

Run BTS: ¡corre!

El megahit «Run BTS» fue reinventado y encajó perfecto en esta primera parte, como un acto de enfrentamiento y resistencia.

En la parte en la que j-hope le agradece a cada miembro por nombre su esfuerzo, la cámara recorre los rostros de los miembros uno por uno. Es un gesto de consuelo y reconocimiento de las luchas pasadas de cada uno. No es sutil, ni pretende serlo.

Y está el dron. Jung Kook sostiene un dron durante la presentación, y la escena se hizo viral porque parecía completamente improvisada. No lo era. Él lo explicó:

«Esa parte fue orquestada a propósito. Terminamos probándola a partir de una idea del director. En realidad, el dron se cayó al piso por accidente mientras ensayábamos. Siempre tengo miedo de dejarlo caer (risas).»

they don’t know ‘bout us: todos usan máscaras

Bailarines sostienen pantallas con imágenes de máscaras tradicionales (tal en coreano), del estilo hahoe, reinterpretadas digitalmente y repartidas por el escenario. Es cultura tradicional filtrada por tecnología contemporánea: básicamente el resumen estético de toda la gira.

Nuestros alienígenas alborotadores (hooligans) saben que no los entienden, y mucho menos los aceptan, pero no se intimidan y siguen adelante.

Like Animals en el escenario

Las tabletas que manejan los bailarines parecen moverse de forma agresiva en la transición a «Like Animals», mientras, paradójicamente, Bangtan se recoge y canta suave sin perder fuerza. Yoongi en un modo emo desgarrador, Jin con esa voz de sirena hechicera. En vivo, es un asalto a los sentidos.

Fake Love: más allá de la lectura más simple

En la montaña rusa de emociones de la gira de BTS, después de la calma dolorosa de «Like Animals», Bangtan se rebela otra vez y grita que ya no quiere ese «amor falso».

«Fake Love» nunca fue solo una canción de amor triste (aunque se pueda leer así al principio), sino sobre todo una declaración sobre cómo las apariencias engañan, y por eso encaja perfecto en este primer acto y su densidad. Va de la mano con «they don’t know ‘bout us» y «Like Animals», ¿verdad?

Además, la canción ganó un nuevo arreglo, más agresivo. Aquí el pasado no es nostalgia, sino reinterpretación creativa.

SWIM: delicadeza en el escenario

En el escenario, los bailarines manejan con delicadeza telas blancas que ondulan bajo luces azules, cubriendo la estructura central como agua, tejiendo formas inciertas alrededor de los miembros como si intentaran protegerlos.

Entonces llega la emotiva canción principal del álbum, el sencillo de ARIRANG y dueño de una coreografía que conmueve por su belleza: SWIM. Las aguas pueden estar agitadas, pero BTS nos invita a seguir nadando. ¿Qué otra opción tenemos, verdad?

RM ya había descrito la canción no como una orden ni como una recomendación, sino como la descripción de un estado: alguien que está cansado, que hasta piensa en rendirse, pero no lo hace, porque vale la pena seguir.

En la entrevista a Weverse, explicó cómo ese significado se sigue construyendo:

«El significado de ‘SWIM’ se sigue puliendo a lo largo de toda la gira. Entramos en un futuro que no vimos venir y, aun con todas las idas y vueltas, de alguna manera seguimos avanzando, compás a compás. Creo que la vida realmente es solo una serie imperfecta y continua de olas que nunca vemos venir, así. Cuando empieza ‘SWIM’, a veces me saco el in-ear y solo escucho al público. Me ayuda a entrar de verdad en el clima para cuando llega mi parte.»

Merry Go Round: atrapados y girando

«Merry Go Round» cierra el primer acto con un tono psicodélico y melancólico.

Las mismas telas blancas de «SWIM» siguen alrededor de los siete, ahora iluminadas de lila y dispuestas en formas que parecen pétalos girando. El efecto recrea el seungmu, la danza de los monjes budistas en la que mangas blancas larguísimas dibujan formas en el aire.

Mientras los bailarines tejen formas difusas a su alrededor, los propios Bangtan giran en el escenario mientras cantan. Cuando termina el carrusel, salen discretamente, cubiertos por los grandes pétalos de tela blanca. El sonido los acompaña fuera del escenario. Queda cierto peso en el aire, y es a propósito.

El VCR de los siete elementos: todo lo que te pareció hermoso pero no necesariamente entendiste

Este es probablemente el segmento más cuidadosamente construido de la gira desde el punto de vista simbólico, y el que vemos sin entender del todo, al menos al principio.

El primer VCR asocia a cada miembro con un elemento natural o cósmico, directamente ligado a la bandera coreana, la Taegeukgi, formada por tres elementos principales, cada uno con un profundo significado filosófico: un fondo blanco, cuatro trigramas y el emblema Taegeuk (ese círculo rojo y azul del centro), que representa los conceptos taoístas de dualidad, equilibrio y armonía (Yin y Yang).

El VCR es una especie de giro narrativo, una pausa casi filosófica en un show de K-pop. El tipo de cosa que solo BTS se atrevería a hacer.

Es una combinación impresionante de imágenes en la pantalla, bailarines moviéndose en el escenario y un sonido potente e inmersivo, así que no es raro que no entendamos de inmediato lo que está pasando. Pero lo sentimos, y esa es la idea.

Aun así, es todavía mejor cuando lo entiendes, así que vamos a explicarlo en detalle: vale la pena.

Las primeras escenas, con música etérea, muestran a los siete miembros fundiéndose con efectos que imitan la «pintura a la aguada», técnica conocida en Corea como sumukhwa: básicamente tinta negra a base de carbón diluida en agua sobre papel de arroz o seda.

Las imágenes en forma de agua nunca terminan de formarse y se disuelven en arena, señal del paso del tiempo, pero también un recordatorio de que necesitamos ese mismo tiempo para crecer. Los cuatro elementos principales de la naturaleza, Aire, Tierra, Agua y Fuego, los encarnan RM, V, Jimin y Jung Kook.

Bajo imágenes de telas fluidas, RM es el Aire. Mientras aparece etéreo en la pantalla, los bailarines extienden las grandes telas fluidas. Su imagen se disuelve en un suspiro. En la bandera coreana, el Aire (Cielo) es el trigrama Geon, que simboliza la humanidad y la justicia.

Luego se oye la lluvia llegando y golpeando las piedras. La luz dibuja rayos en el piso del escenario, como si quisiera partirlo en dos, mientras se oyen tambores como truenos. El clima sereno cambia por completo. Entonces vemos a V, que trae la Tierra, con su dualidad: estabilidad e inestabilidad (cuando la golpea la propia naturaleza). Su rostro aparece sólido, pero lo invaden los efectos de pintura a la aguada y se agrieta a medida que los tambores suenan más fuerte. En la bandera coreana, la Tierra es el trigrama Gon y significa fertilidad y apoyo.

Después llega la calma, con Jimin como el Agua, imágenes azules fluidas a su alrededor que se disuelven como si fueran líquido. Los bailarines se mueven con capas translúcidas, como seres acuáticos, entre efectos de luz que recuerdan olas o las ondas de piedras lanzadas al agua. En la bandera coreana, el Agua es el trigrama Gam y trae la idea de sabiduría y serenidad.

La calma vuelve a ceder (Yin y Yang, ¿recuerdas?). Jung Kook es el Fuego. Aparece feroz, con el pecho descubierto, bajo luz roja y tambores implacables. Las llamas se apoderan del escenario. La imagen de Jung Kook se arma y se deshace entre los efectos de luz. En la bandera coreana, es la parte roja del taegeuk, que significa energía y acción.

Los otros miembros complementan los elementos de la naturaleza. j-hope completa el Fuego con la luz del Sol, que representa su propia personalidad y alegría.

SUGA trae la sombra: la luz se oscurece y el sonido se vuelve profundo e imponente. Abajo, los bailarines forman la mitad azul del taegeuk, el Yin, que significa profundidad y misterio, pero también calma y armonía interior.

Jin, claro, es la Luna, y aparece en la pantalla bajo una luz plateada. El sonido gana ecos espaciales, armoniosos y dulces. Los bailarines forman un círculo lunar en el escenario. Él encarna la parte blanca de la bandera coreana, la base sobre la que se apoyan el Yin, el Yang y los trigramas. El blanco, en este caso, es pureza.

Lo que suena durante el VCR no es exactamente una música convencional, sino un arreglo de sonidos antiguos y modernos combinados para provocar sensaciones: sonidos de la naturaleza como lluvia, truenos, fuego crepitando, arena fluyendo y piedras chocando. En los momentos más intensos, se oyen tambores y coros ancestrales.

Por último, los bailarines vuelven en una procesión de figuras encapuchadas en azul y rojo (y claro, a esta altura ya lo sabes por todos los fancams: los siete también están escondidos bajo las capas, lo cual, seamos sinceras, es lo más tierno del mundo).

En el centro del escenario, BTS y los bailarines forman la bandera coreana, con su característico símbolo del yin y el yang en el medio.

A estas alturas ya ves que el VCR del ARIRANG Tour es todo menos convencional. Es un acto teatral completo dentro de la gran obra que es el show en su conjunto.

ACTO 2 · 흥 (HEUNG)

El segundo bloque cambia la temperatura. El director describió el objetivo como mostrar el «espíritu coreano de simplemente soltarse y divertirse».

Aquí el HAN se vuelve HEUNG. La fuerza de la resistencia se transforma en fiesta.

2.0: el BTS de una nueva era

Vuelven al escenario con ropa más ligera, pero todavía muy estilosa, listos para reclamar lo que es suyo con «2.0» y su coreografía intensa.

NORMAL: no tan «normal» después de todo

RM presentó NORMAL en un live de Weverse con un comentario que cambia la forma de escucharla:

«Esta es una canción triste, pero una parte de mí espera que todos la canten con alegría en los conciertos.»

¿BTS haciéndonos pensar mientras gritamos y saltamos en un estadio? ¡Sí, claro!

Como dijo Namjoon, a diferencia de su melodía esperanzadora, la canción carga emociones tristes. Es HAN y HEUNG en la misma canción.

En Busan, se presentó en su versión en coreano como parte de la celebración del FESTA 2026.

Not Today y MIC Drop: clásicos revisitados con la intensidad de ARIRANG

Yoongi pregunta si estamos listos y, nunca satisfecho, suelta el grito más gutural del show: un «Are you ready» difícil de olvidar (y cada vez más fuerte y rasposo, gracias, Agust D).

«Not Today» llega con un nuevo arreglo, todavía más pesado que el original. Aquí empieza el tramo más enérgico del show. Después, claro, viene «MIC Drop», infaltable en un setlist así.

Es un abrazo al pasado, con el fanchant que tanto amamos, con miles de personas gritando los siete nombres («¡Kim Namjoon! ¡Kim Seokjin! ¡Min Yoongi! ¡Jung Hoseok! ¡Park Jimin! ¡Kim Taehyung! ¡Jeon Jungkook! ¡BTS!») con la fuerza de un gol de Mundial en el tiempo de descuento.

FYA / Burning Up (FIRE): el mashup de locura

La transición entre las dos es uno de los momentos más icónicos de la gira. «Fire» aparece como un remix de la propia «FYA», y el efecto es un pico de energía.

El bloque Not Today → MIC Drop → FYA → Fire es el tramo físicamente más exigente del show. En la primera noche en el Stanford Stadium, algunos miembros literalmente se acostaron en el piso del escenario al final.

Jimin contó:

«Intento no pensar demasiado en esa parte. Solo me concentro en transmitir con el cuerpo la energía exacta de las canciones, para que ARMY la sienta.»

Namjoon agregó:

«Sin exagerar, básicamente hago la gira solo por ese momento. Es lo más cerca que estoy de perderme por completo. Soy el tipo de persona que normalmente está llena de pensamientos y preocupaciones al azar, así que cuando suelto todo eso y simplemente me dejo llevar y me divierto sin pensar, es cuando siento más energía y adrenalina. Es cuando la versión de mí mismo de la que suelo ser tan consciente desaparece por completo, y me fundo con el público. Y aunque es agotador, y el tobillo todavía me duele, no puedo evitar querer dar todavía más. Espero ese momento más que cualquier otra parte del show.»

Kim Namjoon, el que lee filosofía y visita museos, hace una gira mundial para llegar a los cinco minutos en los que puede dejar de pensar. No sé tú, pero a mí me pareció lo más humano que se ha dicho sobre estar en un escenario.

Y está el grito ya icónico de Jung Kook. Durante «Fire», grita «Modu ttwieo!», que significa «¡Todos a saltar!», en modo rockstar total.

Body to Body y el sample de Arirang haciendo historia

«Body to Body» es la catarsis después de toda esa energía creciente en el escenario. Cuando Namjoon exige que todo el estadio salte, bueno, obedecemos.

Y está «Arirang», el sample de la canción más tradicional de Corea, una especie de himno nacional alternativo, que gracias a BTS gana un significado global de unión entre los pueblos cuando la canta gente de todo el mundo.

Y nos regala esta imagen icónica:

IDOL: la procesión de los reyes

Durante el final de «IDOL», BTS y los 50 bailarines desfilan por la pista de atletismo alrededor del estadio, cargando banderas gigantes y cintas LED inspiradas en los sombreros sangmo, esos de cintas largas que se usan en los festivales tradicionales coreanos. Es como una procesión.

Dramatúrgicamente, es el momento en que «nosotros actuando para ustedes» se reemplaza por «nosotros y ustedes, juntos». Y ahí vienen los «ohhhhh».

La puesta en escena de IDOL se inspiró en dos cosas: el Ganggangsullae, una danza folclórica coreana de la fiesta de la cosecha, y la entrada de los atletas en la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de Seúl 1988.

Cuando salen, es el ARMY Time, la pausa para mostrar carteles y divertirse y emocionarse con los mensajes del fandom. Y está Jin, el fanboy número uno de ARMY, que últimamente aparece con un cartel solo para decir cuánto nos ama. Demasiado tierno.

El trono de RM

En los primeros shows de la gira se usó un trono durante «IDOL». La explicación es más simple de lo que parece: RM tuvo una lesión en el tobillo al inicio de la gira y necesitaba un lugar para descansar durante esa parte de la «procesión». El objeto salió del escenario en los shows siguientes.

Pero como con BTS nada es casualidad, no pusieron al líder en cualquier silla. El trono tenía elementos coreanos clásicos, que encajaban perfecto.

ACTO 3 · 사랑 (SARANG)

El tercer acto es una gran declaración de amor (sarang) y lleva el vínculo entre ARMY y BTS a su punto máximo.

Empieza con el segundo VCR.

Si prestas atención, muestra, en tonos de verde, un árbol formándose: el yeonrijii. No es una especie específica, sino un término coreano para un fenómeno raro en el que dos árboles separados crecen juntos y se funden en uno solo.

Sí, mis amores, somos nosotros: ARMY y BTS.

Y se pone todavía más emotivo, con los chicos volviendo al escenario simplemente caminando, solo caminando y cantando y siguiendo la canción.

Come Over: el pico emocional

«Come Over» nació como pista oculta en una edición especial en vinilo de ARIRANG, pero por suerte también se lanzó en las plataformas digitales.

Durante «Come Over», SUGA le pregunta con calma a ARMY si «no es demasiado tarde», y respondemos con todas nuestras fuerzas: «¡No!» («¡A-ni!»). El fanchant nació de forma espontánea y se volvió una tradición de toda la gira. Simplemente pasó y siguió pasando.

Así que, ARMY, tienes una misión: cuando los chicos lleguen a tu ciudad, ese «a-ni» tiene que romper la barrera del sonido. ¿Trato hecho?

Butter y Dynamite: ¡hora de la fiesta!

Las reinas del pop saben celebrar, y «Butter» y «Dynamite» llegan relajadas, con la coreografía hecha con ligereza, como pasa en las fiestas de todo el mundo.

Es la definición del HEUNG volviéndose SARANG. Nadie intenta demostrar nada. Solo estamos felices, BTS y ARMY.

Las canciones sorpresa

Yo lo sentí, tú lo sentiste, todos sentimos un poquito de celos cuando «esa canción favorita» (o sea, todas) sonó en otro país. Y fue todavía más fuerte cuando «Louder than bombs» se presentó por primera vez en la historia de BTS, en Múnich, Alemania.

Pero calma… acepta los celos y sigue adelante, porque lo que importa de verdad es disfrutar los momentos únicos que nos regalan las canciones sorpresa.

Las canciones las elige en el momento el director de escena, con una ruleta digital. Los chicos se enteran junto con nosotros de lo que va a sonar, y sus reacciones siempre son geniales. En cada show, después de «Dynamite», los miembros le gritan al DJ que gire la ruleta, y empieza el sorteo.

Las canciones sorpresa eran un sueño antiguo de los miembros y tienen que ver con las ganas de crear recuerdos únicos en cada show.

En la práctica, es un karaoke improvisado de altísimo riesgo. Intentan recordar letras. Intentan recordar coreografías de hace diez años. Se equivocan, se ríen, se ayudan. Una delicia de ver.

Con más de 29 lanzamientos entre álbumes, EPs y sencillos, el catálogo de BTS tiene más de 200 canciones, sin contar remixes y trabajos solistas. Así que no faltan canciones para el sorteo.

V, que está demostrando tener una gran memoria para las coreografías antiguas, contó lo que siente en ese momento:

«Cuando suenan las canciones antiguas, los recuerdos de esa época se vuelven vivos al instante. Como no puedo olvidar esos días, esos recuerdos vuelven con fuerza y el cuerpo empieza a moverse solo. Tal vez es porque me siento más feliz y emocionado sin motivo aparente, pero me doy cuenta de que estoy bailando antes de notarlo.»

Para SUGA:

«Agradezco que todavía haya gente que pueda escuchar con nosotros la música de esa época y volver directo a esos viejos tiempos. Cada uno se vuelve fan en un momento distinto, pero fue muy emocionante crear esta experiencia en la que todos pudieran reunirse como uno solo.»

Please: una declaración de amor

Después de una pausa para hablar con ARMY llega «Please», y hay un detalle que poca gente nota. La base elevada del escenario, donde se sientan a cantar, recibe una proyección de la constelación de la Osa Mayor, que viene apareciendo cada vez más en la era ARIRANG (recuerda la promoción con drones, el dibujo en los álbumes, la escena final del MV de «Merry Go Round»…).

Según teorías del fandom, los siete puntos de la constelación coinciden exactamente con los lugares de los siete tatuajes «7» que cada miembro se hizo antes del hiato como símbolo de amistad.

En Busan, y solo en Busan, «Please» le dio lugar a «One More Night», la única canción del álbum que no forma parte del setlist fijo.

Into the Sun: el mejor final del mundo

No hay mejor canción para terminar un show así. «Into the Sun» es una celebración del amor y la unión entre BTS y ARMY, que termina con fuegos artificiales y nos deja con ganas de más.

Salen del escenario con sencillez, caminando y despidiéndose como viejos amigos. Weverse Magazine describió la salida como terminar el show volviendo directo a los brazos de ARMY, llevando consigo todo el HAN, el HEUNG y el SARANG: la tristeza, la alegría y el amor, cosas que conocemos bien después de todos estos años de grupo y fandom.

Lo que pasa entre los actos: el vestuario

Los cambios de vestuario se dan de forma natural entre un bloque y otro. Juntae Kim, de la marca de Seúl del mismo nombre, diseña los looks usados en la gira ARIRANG desde Goyang. Es el mismo diseñador detrás de todos los looks rojos brillantes de j-hope en el primer segmento de HOPE ON THE STAGE.

En el primer bloque no hay concesiones. Aparecen de negro y cuero, imponentes y agresivos. Los looks son épicos, preciosos.

El vestuario va cambiando a medida que la gira recorre el mundo. En la apertura en Corea, por ejemplo, abrigos largos estructurados y siluetas rígidas traducían el concepto de resistencia que forma parte del HAN, con esa sensación de introspección y densidad. Pausa dramática para Jimin de pelo largo al viento, como un personaje de Game of Thrones. Inolvidable.

En Japón se redujo el volumen, con cortes más delgados y telas más flexibles que favorecen la coreografía. Más fluidez, la misma identidad.

En Estados Unidos, las prendas quedaron un poco más ligeras, con más variación de colores. Los hooligans querían celebrar con ARMY. Y, de paso, no morir de calor…

En México, una variación hermosa, con looks casuales (los del segundo bloque) hechos por una empresa local, Campillo. Jin incluso subió al escenario con una chaqueta que le regaló un luchador de lucha libre. La Bahía de San Francisco (Stanford) también tuvo prendas de marcas locales. No es solo gentileza, es una elección que dialoga con la tesis del álbum: la identidad importa, incluida la de los demás.

En Europa se soltaron, y mucho. Quien sobrevivió a j-hope con abrigo de cuero negro y camisa abierta y a Jimin siendo muy Jimin lo sabe. Y sí, ARMY sigue agradecida por las camisetas blancas sin mangas, adoptadas con cariño por la «línea de las musculosas»: Jimin, Namjoon y Taehyung.

En París especialmente, los chicos usaron piezas de grandes casas de moda, lo que tiene todo el sentido: la ciudad es la capital mundial de la moda. Jimin divino como príncipe de Dior, Nam y Jin de Gucci, Jung Kook todo de Balenciaga, Yoongi dejando un rato Valentino para usar las flores de Givenchy, Hoseok fiel a Louis Vuitton y Tae de Celine. Reyes de la moda, ¿o no?

Los siete fuera del escenario: la gira que ellos mismos documentan

Mientras el show sigue un guion fijo, los miembros abrieron una segunda capa narrativa en las redes sociales. Cada uno documenta la gira a su manera, complementando la narrativa del escenario con una narrativa personal, hecha por ellos.

RM: el embajador cultural

RM sigue «namjooneando» y reforzando el papel que venía construyendo antes de la gira: es sinónimo de arte y se hace tiempo para visitar museos y lugares culturalmente relevantes. Y en el camino hasta fue anunciado como el primer embajador global del Museo Nacional de Corea.

En Londres, el Museo Británico organizó un recorrido temático por su galería de Corea, citando explícitamente entre sus inspiraciones la reputación de RM como coleccionista de arte coreano contemporáneo.

Él explicó de dónde viene ese hábito, y la respuesta es más bonita de lo que uno esperaría:

«Lo siento cada vez que puedo visitar lo que se podría llamar los lugares realmente locales de una ciudad. Sobre todo un lugar inesperado… Cuando voy a un punto turístico famoso o a un museo, mis expectativas ya están tan altas que es difícil emocionarme de verdad. Es más en los restaurantes, cafés y tiendas que encuentro caminando por las calles donde de verdad siento el lugar. Es como: ‘así vive la gente aquí, así vive ARMY aquí. Estas son las cosas que ven todos los días.’ Atesoro momentos así.»

Él ya había comparado su tiempo en el servicio militar con el chronos (el tiempo cronológico, medible) y su tiempo con los miembros con el kairos (el tiempo significativo). La respuesta de arriba es su definición de kairos en gira.

Vale recordar también: Nam contó en una entrevista al podcast Fashion Neurosis, en julio, que el hábito de visitar museos en las giras empezó hace mucho, por idea de otro miembro amante del arte, Taehyung, en una tarde aburrida entre shows. Por esto y mucho más, ¡gracias, Tae!

SUGA: el vlogger de la ruta

Acéptalo: nunca vamos a saber cuál es el próximo paso de Yoongi. Retomó el formato «SUGA’s VLOG», que ya había usado en su gira solista, D-DAY.

Hasta ahora publicó un vlog corriendo una maratón en San Francisco, una carrera informal con Jung Kook en Corea y un viaje por los Alpes suizos.

En España visitó la Sagrada Familia y, a principios de julio, de la nada, publicó una historia disfrutando (y gritando) en un concierto de Metallica en Londres. Nadie sabe qué viene después…

Cuando le preguntaron por qué documenta todo esto, fue directo como siempre:

«Simplemente tuve ganas. Nunca puedo olvidar cuánto nos ha apoyado ARMY, y siempre me aseguro de no olvidarlo. Sinceramente, hice el vlog solo porque pensé que a nuestros fans les podía gustar, así que me alegra que les haya gustado.»

j-hope, Jung Kook y V: el crew de baile del backstage

Icónicos como siempre, j-hope y Jung Kook aprovecharon el inicio de la etapa europea para grabar su versión de «I Want You Back», de NSYNC. El video se hizo viral y llamó la atención del propio Joey Fatone, de NSYNC, que lo compartió en Instagram.

Jung Kook, por cierto, se volvió un maestro de los bailes random que se viralizan en TikTok. Su obsesión con la canción «Gut Genug» dio lugar a uno de esos momentos únicos: él, j-hope y Taehyung grabando varias tomas del baile por Múnich.

Grabados quién sabe cuándo, V viene publicando videos de baile con un crew, cada uno mejor que el anterior. Para el final de la gira vamos a tener bailes en Instagram y TikTok para un buen rato.

En un live de Weverse el 3 de mayo, Jin llamó a V el «maestro de la cultura» del grupo. Le recomienda museos a Nam, busca los mejores paseos y restaurantes, y no para.

Él explicó su método:

«Habíamos hablado de querer aprovechar también nuestro tiempo juntos fuera del escenario, y yo quería mantener la energía de todos para que nadie se agotara demasiado a lo largo de la gira, así que terminé siendo uno de los que traía ideas, como restaurantes y pickleball, e insistía en que los demás vinieran. (risas) Me di cuenta de que crear pequeños momentos de felicidad así puede hacer que toda la gira sea una mejor experiencia para todos.»

Sobre los momentos improvisados que hace en el escenario, como comer un hot dog y brindar con ARMY en Ciudad de México:

«Mmm, ¿cómo lo digo? Simplemente me gusta ver feliz a ARMY, así que si de repente se me ocurre una idea, creo que la hago y ya. Quiero hacerlos reír (risas).»

Jung Kook también retomó el GCF (Golden Closet Film), más o menos. Grabó y editó él mismo un vlog del set de grabación de la gira y lo publicó en Instagram. Cuando le preguntaron por qué:

«Me hizo acordar de cuando grababa videos de vez en cuando. Como grabar videos y sacar fotos me ayuda a recordar las situaciones con más claridad, ¡pensé que sería bueno retomar el hábito de registrar mi día a día para mostrárselo a ARMY de vez en cuando!»

Jimin: de vuelta a las redes (más o menos)

Históricamente el miembro más discreto en redes, Jimin publicó el 29 de abril su primer contenido de baile en casi tres años: una versión de «SWIM» coreografiada por Ryusei. El video pasó los 30 millones de vistas en un día, obvio.

Jin: sin planes, solo viviendo la vida

Jin mantiene su costumbre de publicar fotos del detrás de escena justo después de los shows. No es que las fotos sean suyas: contó en una entrevista a Elle Korea, en julio, que solo organiza las fotos que saca el staff. El resto del tiempo, comparte momentitos con los chicos.

También vale destacar que si la gira ARIRANG es la más grande de la historia de BTS, se lo debemos todo a Jin. Fue él quien propuso extender la gira a más lugares de lo habitual.

«Antes de entrar al servicio militar, dijimos: ‘En cuanto todos terminen el servicio, vamos a ver a ARMY en todos los lugares donde no pudimos hacer gira durante el Covid.’ No era exactamente algo que estuviéramos discutiendo con la agencia. Fue una promesa que hicimos juntos antes de alistarnos, ir a los lugares donde la gente quería vernos. Si un cantante que te gusta sale de gira y tu país es el único que se salta, claro que te sientes mal, y no queríamos que ARMY se sintiera así. Cuando veo que escriben para agradecernos por ir a donde están, eso significa muchísimo para mí. Era algo que iba a pasar en algún momento, y ahora por fin lo estamos haciendo.»

Ese es nuestro fanboy.

Momentos inolvidables (hasta ahora)

Tokio: el momento en que la historia pesó

Una parte icónica de «Body to Body» en la gira de BTS tuvo un momento enorme en el Tokyo Dome, en abril.

El público japonés empezó a cantar «Arirang» al unísono, llenando el estadio con un coro perfecto. Los miembros hicieron una breve pausa para asimilarlo. Miraron, emocionados, cómo se hacía historia.

Hay que entender lo que estaba pasando ahí. Corea fue colonia de Japón de 1910 a 1945. Fue un período de opresión y violencia. Durante ese tiempo, la bandera coreana estuvo prohibida. La canción «Arirang» estuvo prohibida. Cantar era resistencia, y la resistencia se castigaba con dureza.

Entonces, en 2026, un estadio japonés lleno canta «Arirang» para un grupo coreano. Vimos al arte haciendo una reparación histórica.

Stanford se volvió «coreano»

Los fan projects movilizan al fandom en todo el mundo. Stanford lo hizo simple y dio en el blanco.

El 19 de mayo, en el tercer show en el Stanford Stadium, ARMY de la Bahía de San Francisco organizó un fan project: en el momento en que sonó la melodía de «Arirang» dentro de «Body to Body», todo el estadio levantó banderas de Corea del Sur y cantó.

Weverse Magazine describió el efecto con precisión: cuando personas de todo el mundo se reúnen en un estadio gigantesco y cantan el fragmento de «Arirang» en coreano, se convierte en un símbolo de aceptación y pertenencia. j-hope describió mejor que nadie lo que siente ahí:

«Me emociona cada vez. Es abrumador. ¡No puedo describirlo de otra manera! Creo que la parte de ‘Arirang’ en ‘Body to Body’ se volvió uno de los momentos más icónicos de las cosas que queríamos hacer en esta gira. Creo que ese es el corazón de todo: dejar de lado diferencias como el idioma, la raza, la geografía, el género y todo lo demás, para unirnos como uno solo a través del amor.»

Jin hizo una comparación que me pareció generosa y muy de él. Mencionó el yodel, la melodía folclórica de los Alpes que se volvió patrimonio global, y dijo que estaba feliz de poder presentar las canciones folclóricas coreanas a fans de todo el mundo y cantarlas con ellos.

Y sobre esa misma escena:

«Cuando estoy en el escenario y veo a todo el público cantando la parte de Arirang en ‘Body to Body’, parece una escena de película. Es algo que nunca me habría imaginado, y verlo hacerse realidad es como ver el clímax de esa película.»

BTS THE CITY: cuando toda la ciudad se vuelve escenario

«BTS THE CITY ARIRANG» es una campaña de festival urbano que se hace junto con los shows. El concepto, según un representante del proyecto, nació del deseo de que «la alegría de ver al público feliz en el lugar del concierto durara un poco más». La idea era llevar las experiencias y la cultura fan, que antes se limitaban al show, a toda la ciudad.

Uno de los momentos destacados fue en Las Vegas, con la activación en la Sphere, el recinto esférico más grande del mundo, que mostró tanto la gran campana de «No. 29» como el cheongsachorong, la lámpara tradicional coreana de seda azul y roja que se usa en las bodas. Quedó hermoso.

Coreografía y «no coreografía»: ¿BTS está bailando menos?

Esto se volvió un tema candente, sobre todo al inicio de la gira, pero ya se consolidó como una marca de esta era: la coreografía precisa no está presente en todas las canciones, y eso tiene que ver tanto con el formato y el tamaño del escenario como con la narrativa del show.

El grupo se hizo famoso no solo por melodías complejas, beats de locura y letras profundas. La coreografía intensa, repetida hasta el cansancio en giras exigentes, siempre fue su sello y marcó el estándar de oro de la industria del K-pop.

¿Y entonces BTS arma una nueva gira y está «bailando menos»? Vale la pena hablarlo.

Circula una lectura demasiado fácil, y se equivoca. Ver a BTS «bailando menos» en esta gira y concluir que es cansancio, que son siete hombres de treinta y tantos que ya no aguantan el ritmo de antes, es confundir madurez física con intención artística.

No se trata de cuerpos que se están frenando. Se trata de que el show es diferente, a propósito. ARIRANG está rediseñando lo que significa un show de K-pop a escala de estadio: en lugar de la coreografía como columna vertebral, esta pasa a ser solo un recurso más, junto con la improvisación, la conversación directa con el público y hasta los errores que se vuelven recuerdos.

El grupo que ayudó a inventar el estándar de precisión milimétrica del género es el mismo que ahora elige soltarlo, y «elige» es la palabra correcta.

El resultado es un tipo de conexión que ninguna sincronía puede producir: la sensación de que esas siete personas están ahí contigo, no actuando para ti.

Cambiar control por presencia es la decisión de quien ya demostró lo que tenía que demostrar y decidió que el próximo capítulo pide otra cosa.

La prensa lo viene destacando. La reseña de NME sobre Goyang describió el movimiento como un alejamiento de lo que se espera de un show de K-pop, en paralelo con el propio álbum, que también va más allá de las fronteras del género. Forbes lo dijo de una forma que me pareció precisa: ahora que la mayoría de los miembros está en sus 30, no tienen nada que demostrar en términos de presentación o de coreografía constante de alta energía.

Korea JoongAng Daily observó que los efectos creativos y un gran equipo de bailarines compensaron con creces la relativa ausencia de instalaciones escénicas y una presentación de baile notablemente menos densa, convirtiendo cada número en un cuadro dramático, con el mar de lightsticks alrededor volviéndose parte del espectáculo.

Bang Si-hyuk, presidente de HYBE, fue directo al punto en una entrevista a Billboard: «BTS 2.0 no debería ser una extensión del pasado. Tenía que ser una declaración que abriera un nuevo capítulo.»

Después del show de regreso (el que se vio en Netflix), RM ya había avisado al público: «después de nuestra presentación en Gwanghwamun, nuestra visión cambió. Ahora pueden esperar cosas diferentes de BTS. Lo garantizo: es algo diverso y único. Los siete tenemos visiones distintas. Pero ARMY… sé que entienden lo que quiero decir.»

Fue un aviso, no una excusa. BTS no necesita pedir permiso, ni siquiera a nosotros.

El foco es el grupo, no los solos (lo sentimos)

Hay una decisión estructural en ARIRANG que es fácil pasar por alto justamente porque, en realidad, es una ausencia: no hay canciones solistas ni de subunidades en el show.

Eso es raro. Prácticamente todo grupo de K-pop usa bloques solistas como respiro logístico, porque permiten cambios de vestuario y descanso para los demás miembros. BTS renunció a eso a propósito, sabiendo que sería más cansador.

Jung Kook lo confirma:

«Era nuestra intención. Hoy en día es bastante inusual que un grupo llene un show entero solo con canciones grupales de principio a fin. Queríamos recordarles a todos cómo es BTS como grupo y, como pasó tanto tiempo desde nuestra última gira, intentamos enfocarnos en el tipo de energía que tenemos cuando estamos todos juntos. Obviamente eso hace las cosas más difíciles, pero queríamos sumergir al público en esa sensación de los siete haciendo el show juntos, de principio a fin.»

Y para V:

«Todos sentimos que debíamos enfocarnos en el grupo en lugar de canciones de subunidad o solistas. Creo que ese es el núcleo de esta gira. Estar los siete juntos otra vez después de todo este tiempo es especial, y también es nuestra forma de decir que queremos seguir haciendo esto juntos.»

SUGA, económico con las palabras como siempre:

«Creo que es muy ‘Bangtan’ que los siete sigamos tan sincronizados.»

Sobre el movimiento en el escenario, que mucha gente notó cargado de intención, Jimin explicó el proceso:

«Quería que todo el show, de principio a fin, fuera una sola experiencia inmersiva y continua. No era tanto ‘esta es la vibra que debo transmitir mientras camino’, sino más bien ‘¿qué significa esta canción para mí?'»

El tamaño de todo esto

Ahora que recorrimos la historia que cuenta el show, podemos mirar los números y entender lo que significan.

Lo básico

La gira empezó el 9 de abril de 2026, en el Goyang Stadium, y tiene fin previsto para el 14 de marzo de 2027. Se especula que podría extenderse y alcanzar números nunca vistos en una gira de boy group (y no solo asiático).

En el camino, pasa por 34 ciudades de 23 países, con shows en Asia, América del Norte, Europa, América del Sur y Oceanía.

Es la gira solista más grande de la historia de un artista de K-pop, no solo en recaudación, sino en número de fechas y alcance geográfico.

La proyección de Billboard es que la gira va rumbo a los quinientos millones de dólares en venta de boletos, con más de tres millones de asistentes. Eso significaría más de la mitad de toda la recaudación en giras de la carrera de BTS concentrada en una sola gira.

Lo que todavía viene

Una gira tan larga tiene la ventaja de que su historia nunca termina. Mientras lees esto, hay capítulos que todavía no pasaron.

A la gira todavía le quedan shows en América del Sur, incluido São Paulo, antes de volver a Asia y Oceanía. También hay negociaciones abiertas para Medio Oriente, que podrían aumentar el total de shows.

En resumen, simplemente no sabemos cuándo va a terminar la gira de BTS.

El escenario más grande: BTS en el Mundial

El 19 de julio de 2026, un día después de cerrar la etapa europea en París, BTS subió a un escenario diferente.

El grupo fue uno de los protagonistas del primer show de medio tiempo de la historia de una final de Copa del Mundo, en el New York New Jersey Stadium, junto a Madonna, Shakira y Justin Bieber. El show fue curado por Chris Martin, de Coldplay, y también contó con Burna Boy, la orquesta de Gustavo Dudamel, un coro infantil y el propio Coldplay.

Once minutos para la mayor audiencia de la carrera de BTS.

La presentación apoyó el FIFA Global Citizen Education Fund, una iniciativa que busca recaudar 100 millones de dólares para ampliar el acceso a una educación de calidad. Un dólar de cada boleto vendido para los partidos del Mundial fue al proyecto. Ningún artista cobró por presentarse.

Siete chicos de Daegu, Busan, Gwangju, Ilsan y Gyeonggi, que empezaron en una agencia pequeña en 2013, cantando en el medio tiempo de la final del Mundial.

Si sigues a BTS, sabes lo grande que es eso.

Conclusión (pero solo por ahora)

BTS ayudó a llevar el K-pop a un estándar global de excelencia. Coreografías milimétricas, presentaciones de altísima precisión, espectáculos visuales impecables. Fueron los arquitectos del modelo que las siguientes generaciones todavía intentan replicar.

En la era ARIRANG, se alejan de ese modelo. Solo para crear otro.

Eso solo es posible porque el BTS de hoy es la definición de un artista maduro: saber cuándo dejar de repetir fórmulas, incluidas las propias. Saber que evolucionar no siempre es acumular. A veces es restar con intención.

Fíjate cómo cada decisión de la gira apunta en la misma dirección:

El escenario 360 pone a todos en el centro. Menos coreografía pone la interacción humana en primer plano. Las canciones sorpresa meten azar e imperfección en una estructura muy controlada. La ausencia de bloques solistas pone lo colectivo por encima de lo individual. La procesión de IDOL literalmente pone al artista en medio del público. Y la salida por el portón bajo las gradas hace que el show termine entre la gente, no detrás del escenario.

Todo esto es una declaración sofisticada sobre lo que puede ser un show en vivo en 2026.

Hay una capa por encima de eso, y se conecta directamente con lo que escribimos sobre el show en vivo de Gwanghwamun.

Cuando BTS abrió el camino para que el K-pop se volviera un fenómeno global, parte de la industria leyó la ecuación de forma demasiado simple. El éxito internacional se volvió sinónimo de neutralización cultural: canciones en inglés, estética genérica, fórmulas replicables.

La gira ARIRANG hace lo contrario: no están explicándole Corea al mundo. Hay una diferencia.

RM resumió lo que la gira significa para ellos:

«Es una pregunta muy difícil, y es muy complicado dar una respuesta ordenada y definitiva. Pero si hay algo que sentí con absoluta certeza, es que los más de 10 años que pasamos haciendo esto juntos no se esfumaron en el aire. Cantamos tantas canciones y compartimos tantas conexiones reales entre nosotros a lo largo de los años, y sentí que esta gira por fin reunió algo de eso, después de la larga espera, y lo hizo brillar. Algo así como: ‘guau, realmente perseguimos esto durante 13 años. Estoy muy agradecido.'»

Y Jin agrega, con su estilo cariñoso:

«Estos chicos son los mejores, ¿sabes? Ya hice promociones y hasta una gira sin los demás, y había mucha presión. Había un miedo en el fondo de mi cabeza. Presentarme sin ellos me enseñó algo: lo agradecido que estoy de que podamos hacer esto juntos y lo mucho que significa para mí. Cuando estoy con ellos, terminamos riéndonos todo el camino de todo, y en el escenario también; estoy tan feliz que no puedo dejar de sonreír.»

j-hope es preciso:

«En nuestro grupo, nunca se podría reemplazar a ninguno de los miembros. Cada uno tiene su propio papel, y hay un tipo de belleza que solo aparece cuando estamos todos juntos.»

Económico, pero no menos emotivo, está SUGA:

«Solo estoy agradecido de que, incluso 13 años después, todavía podamos hacer giras y seguir siendo cantantes.»

Y para ti, ¿cuál fue el momento más memorable de ARIRANG hasta ahora? ¿Viste el show en vivo, en los cines o por los fancams? Y ya que todo el álbum hace esta pregunta: ¿cuál es tu canción de amor?

Cuéntame en los comentarios 💜

Preguntas frecuentes sobre la gira ARIRANG

¿Cuándo empezó y cuándo termina la gira ARIRANG de BTS?

Empezó el 9 de abril de 2026, en el Goyang Stadium, en Corea del Sur, y tiene fin previsto para el 14 de marzo de 2027, en Filipinas.

¿Cuántos shows tiene la gira ARIRANG?

Hay 88 shows anunciados hasta ahora, en 34 ciudades y 23 países. El número aumentó algunas veces desde el anuncio inicial de enero, que mencionaba 79 fechas, y todavía hay negociaciones abiertas para Japón y Medio Oriente.

¿Cuál es el setlist de la gira ARIRANG?

Son 23 canciones por noche: 16 en el set principal y 7 en el encore, incluidas dos rotativas (las canciones sorpresa). El repertorio incluye 14 de las 15 canciones del álbum ARIRANG.

¿Cómo se dividen los tres actos del show?

El Acto 1 es 한 (han) y representa a BTS. El Acto 2 es 흥 (heung) y representa a Corea. El Acto 3 es 사랑 (sarang, amor) y representa a Arirang.

¿Qué son las canciones sorpresa de BTS?

Son dos canciones del catálogo más antiguo que se eligen en el momento en cada show, después de «Dynamite». Los miembros le piden al DJ que gire la ruleta y se enteran junto con el público de lo que va a sonar.

¿La gira ARIRANG pasa por América Latina?

Sí. Ya pasó por Ciudad de México y todavía tiene shows en América del Sur, como los de São Paulo, Brasil (28, 30 y 31 de octubre de 2026, en el Estadio MorumBIS). Consulta siempre las fechas oficiales de tu país en los canales de BIGHIT MUSIC y Weverse.

¿Por qué el escenario de la gira es de 360 grados?

Para eliminar la diferencia entre sectores buenos y malos, ubicando al público alrededor del escenario central. El diseño también amplía la capacidad del estadio. La estructura se inspira en el pabellón Gyeonghoeru y en el símbolo taegeuk de la bandera coreana.

¿Quién diseñó el vestuario de la gira ARIRANG?

Juntae Kim diseña el vestuario de la gira. Jay Songzio, de SONGZIO, creó la colección «Lyrical Armor» usada en el show de lanzamiento del álbum en Gwanghwamun, un evento que se hizo antes del inicio de la gira.

¿Qué significa Arirang?

Es la canción folclórica más conocida de Corea, considerada su himno no oficial. Sus temas centrales son el amor, la separación y la resiliencia. Se cantaba como forma de resistencia cultural durante la ocupación japonesa, de 1910 a 1945.

¿BTS se presentó en la final del Mundial 2026?

Sí. El grupo fue uno de los protagonistas del primer show de medio tiempo de la historia de una final de Copa del Mundo, el 19 de julio de 2026, junto a Madonna, Shakira y Justin Bieber, con curaduría de Chris Martin.